ショパンの「英雄ポロネーズ」は、その堂々とした旋律と情熱的な表現で知られ、ショパンのピアノ作品の中でも特に印象的な作品の一つです。

このポロネーズは、1842年に作曲され、ショパン自身のポーランドへの愛情と独立への渇望がその音楽に込められています。

華麗なポーランド舞曲のリズムが響く中で、英雄的なエネルギーが全編にわたり満ち溢れています。

ショパンの中でも特に印象的な作品

英雄ポロネーズの難易度はどのぐらい？初心者でも弾ける？

「英雄ポロネーズ」は、高度な技巧が要求される難曲として知られています。

その迫力あるメロディと複雑なフレージングは、演奏者に確かな技術力と表現力を求めます。

特に力強いオクターブや速いパッセージが多く登場し、その演奏には力強さと繊細さのバランスが欠かせません。ショパン自身が演奏者に対して「牙をむくライオンのように」と形容したように、その演奏はまさに雄大であり、同時に挑戦的でもあります。

「英雄ポロネーズ」は中上級者向けの曲であり、その演奏には十分なピアノの経験と技術が必要です。

しかし、この曲に取り組むことで、演奏者はショパンの情熱的な世界に没頭し、同時に技術的な成長を遂げることができるでしょう。

ポーランドの英雄的な魂を感じながら、音楽の魅力を存分に味わいましょう。

英雄ポロネーズのimslpリンクや楽譜のおすすめは？

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クラシック音楽には、なんと本物の大砲が使われる曲があるんです。驚きですよね。

曲名は「序曲『1812年』」で、チャイコフスキーが作曲しました。

曲の詳細や、なぜ大砲を使っているのか？等々、この曲の背景に迫って解説していきます。

本物の大砲が使われるチャイコフスキー「序曲『1812年』」について解説します。

1812年 (序曲)ってどんな曲？

チャイコフスキーは、母国ロシアがナポレオン軍を破った時の祝砲を表現するために、大砲と鐘の音を華やかに鳴らすことにしたといいます。

大砲が使われるのは曲のクライマックス付近。楽譜上に大砲（cannon）の記載があります。

一般的な演奏会ではバスドラムで代用されることが多いのですが、大砲を実際に撃った演奏会もあります。

なお、弾は入っていませんが火薬は本物で、とても迫力があります。

オーケストラとタイミングを合わせて撃っていることにも感心してしまいます。

自衛隊でも演奏されていて、大砲実射の合図は手旗信号でタイミングを送っています。
ラストの4台での斉射は圧巻です。

大砲は勝利の祝砲を表現していて、火薬が入った本物の大砲を使った演奏は迫力満点

作曲された経緯

1812年はフランス軍がロシア帝国へ侵攻した年です。

この戦争は別名「祖国戦争」ともいわれ、結果的にロシア帝国が勝利しました。

親友からの依頼により、ナポレオンの侵攻に打ち勝ったことを記念して着工した聖ハリストス大聖堂の完成記念式典の題材として作曲されました。

曲中には、フランスの国歌でもある「ラ・マルセイエーズ」やロシア帝国国歌が使われています。

しかし、イベント用の曲で芸術とは程遠く、曲の引用によりチャイコフスキーのオリジナリティが少ないためもあってか、本人は「大愚作」と評しています。

初演は失敗に終わりましたが、その5年後のチャイコフスキー指揮による演奏が大ヒット。瞬く間に人気を博し、彼も困惑したという逸話が残っています。

人気曲だが、チャイコフスキー自身はこの曲を大愚策と評している

曲の構成

史実では1812年、チャイコフスキーの祖国ロシア帝国に、ナポレオン率いるフランス軍が攻め入ってきました。

はじめはナポレオン率いるフランス軍がモスクワを制圧するなど優勢でしたが、ロシア軍が反撃し、結果フランス軍は敗北しました。

「序曲『1812年』」もこの歴史にならい、 フランス国歌「ラ・マルセイエーズ」が徐々に弱くなり、クライマックスでロシア帝国国歌が全楽器で強奏されるという構成になっています。

フランスでこの曲が演奏されることはほぼありません。

実際の史実にならい、争いの過程をお互いの国歌の強弱などによって表現している

第1部　正教会の聖歌

冒頭では、ロシア正教讃美歌「主よ、汝の民を救いなさい」（”O Load, Save thy People”）の旋律が使われ、フランス軍の侵攻からロシアの人々を守るための神への祈りで始まります。

祈りの後、曲はだんだんと争いの始まりが近づくような物々しい雰囲気を醸し出していきます。

続くオーボエや弦楽器の不安で忙しい動きは、攻め行ってくるフランス軍とも、教会で祈るロシアの人々の心境を表しているとも言われています。

第2部　ロシア軍の行進

戦争を始める準備が整ったロシア軍の行進です。

スネアドラムのマーチのリズムを先導に、ロシアコサック兵団を表すファンファーレ風の旋律が現れます。

ついに戦闘開始。弦楽器の忙しい動きは、両軍が攻め入っていく様子を現しています。

第3部　ボロジノの戦い

第一主題の提示に続いて、フランス国歌「ラ・マルセイエーズ」の旋律が繰り返し現れ、フランス軍の勝利を思わせます。

その後一旦休戦し、故郷に残してきた家族や恋人を想うような、チャイコフスキーらしい美しい旋律の第二主題が現れます。続けてロシア民族が踊っている情景が浮かぶようなロシア民謡風の主題。

再びラ・マルセイエーズの主題が響きますが次第に貧弱になり、最初の大砲がここで5回発射されます。

お互いの国歌や、ロシアの民謡の旋律などがせめぎあうことで戦いの様子が表現されている

第4部　再び第1主題へ

冒頭の主題と同一の旋律をほぼすべての管楽器で演奏します。

ここに、ロシア正教会の鐘を強く意識した鐘が華麗に入ってきます。

H3　第5部　勝利の祝い

全楽器ffffの強奏で堂々とロシア帝国国歌が演奏され、鐘とともに大砲も次々とどろきます。

なお、ソ連時代にはロシア帝国国歌が演奏禁止されたために、ロシア帝国国歌の部分がグリンカの歌劇「イワン・スサーニン」の終曲に書き換えられました。

編曲者の名前を取って「シェバリーン版」とも言われています。

ぜひ聴き比べてみてください。

・ソ連時代にはロシア帝国国歌部分が演奏禁止に　
・グリンカの歌劇「イワン・スサーニン」の終曲に書き換えられた

演奏見送りが相次ぐ

ロシアがウクライナに侵攻する中、ロシアの戦勝を祝う曲はふさわしくないとして、「1812年」の演奏をとりやめる動きが相次いでいます。

生前のチャイコフスキーはよく、妹が嫁いだウクライナを訪れていました。

人々が歌うウクライナ民謡に触れ、それを取り入れた交響曲も作っています。

あの有名な「白鳥の湖」も、妹の子どもたちのために作った短編バレエが元になっています。

今回の演奏中止について、天国のチャイコフスキーも思うところが多々あるかもしれません。

気兼ねなく「1812年」を演奏できる日が少しでも早く来ることを願ってやみません。

生前のチャイコフスキーは、ウクライナに深い縁があった

まとめ

「1812年」に大砲の音が使われている理由がお分かりいただけたでしょうか。

他にもタイプライターやボウルに張った水、果てにはヘリコプターまで、とんでもないものが楽器として使われている曲もあります。

クラシック音楽って予想以上におもしろい！と興味を持っていただければうれしいです。

クラシック音楽に興味を持って聴き始めたけど、プレリュード（前奏曲）ってどんな曲なの？

クラシック音楽の分類についてもっと知りたい！という方々のために、プレリュードの起源や序曲との違い、有名曲について解説していきます。

プレリュードの起源や序曲との違い、プレリュードの有名曲について解説していきます。

プレリュードの起源は？

語源はラテン語で「あらかじめ」を意味する pre と「演奏」を意味する ludium が合わさってできた言葉です。

もともとはリュート組曲を演奏する前に、調弦確認や指慣らしを兼ねて即興で演奏された曲でした。

のちに自由な発想によって作られたピアノのための短い楽曲を前奏曲と呼ぶようになっていくのです。

プレリュードの起源は、リュート組曲の演奏前に調弦確認や指鳴らしを兼ねて行っていた即興演奏

【序曲】と【前奏曲】の違いは？

序曲とは、オペラやオラトリオなどの大曲に含まれるかたちで演奏されるもので、聴衆の注意を引くためや、オペラの劇全体のあらすじを予告するために作られたオーケストラ曲です。

それに対し、プレリュードは大曲の前に演奏される、いわば前座です。

主にピアノやオルガン単独の器楽曲が多く、即興曲とも似た意味合いになっています。

序曲は、劇のあらすじを予告するなど曲の中に含まれるが、プレリュードは曲の一部ではなくあくまでも前座的なものである

クラシック音楽のプレリュードで有名な曲は？

では、プレリュードについて時代順に追いながら解説していきましょう。

バッハ／平均率クラヴィーア曲集「前奏曲とフーガ」

プレリュードというとバッハの「平均律クラヴィーア曲集」をまず思い浮かべる人が多いかも知れません。

バッハは1オクターブの12音を主音とする長調・短調、つまり24の調性を網羅した曲集を書こうと考えました。

一つの調性につき「前奏曲」と「フーガ」がセットになっています。

バッハの平均律では、フーガを主としてその前におかれた曲としてプレリュードが存在しています。

曲の初めにおかれることで導入の役割をしているのです。

つまり後ろにフーガが続くことが前提としてあるという位置づけです。

平均律クラヴィーア曲集　第1巻　第1番 前奏曲とフーガ BWV 846

バッハの平均律のプレリュードは、フーガの前に置かれることで導入の役割をしている

ショパン／24の前奏曲集 作品28

ショパンは、プレリュードを主となる曲の前に演奏するのではなく、性格的小品の1つとしてとらえ、独立した１曲として作曲しました。

ショパン以降は、このように前奏曲が独立して書かれるようになります。

バッハを大変尊敬していたショパンは、「平均律」で全調の曲を作曲したバッハを模して、全調のプレリュードを作曲しました。

シューマンはショパンの前奏曲のことを「スケッチのようだ」と述べたそうです。

ショパンが感じたインスピレーションなどを即興的に表したような曲となっています。

ショパン　24のプレリュード第7番　Op.28

太田胃散のCM曲ですが、なんとイ長調（胃腸）なんです。うまく考えられていますね。

ショパンがバッハにならい作曲した全調のプレリュードは、前に主な曲を置くことなく独立したものだった

ドビュッシー／前奏曲集第1巻（12曲）、第２巻（12曲）、「牧神の午後への前奏曲」

24曲からなる前奏曲集ですが、バッハやショパンのプレリュードとは異なり、24の調に1曲ずつをあてたものではありません。

１巻は世界各国の舞曲をモチーフとした異国情緒あふれる小品、2巻はストラヴィンスキーの音楽の影響を受けた、独創的で革新的な曲集となっています。

「牧神の午後への前奏曲」はドビュッシーが敬まっていた詩人マラルメの『牧神の午後』（半獣神の午後）という詩を元に書かれたオーケストラ曲です。

音楽以外から生まれた前奏曲というわけです。

また、この曲に基づき、ロシア・バレエ団によりバレエ作品が作られています。まさに芸術のリレーといえますね。

ドビュッシー　牧神の午後への前奏曲

ドビュッシーの24曲からなる前奏曲集は、調にあてはめたものではなかった

ラフマニノフ／前奏曲 嬰ハ短調　作品3の2「鐘」

ラフマニノフのピアノ曲の中でも最も有名な「幻想的小品集」作品3の第2曲が、前奏曲嬰ハ短調です。

モスクワのクレムリンの鐘の音が表現された重厚な１曲。

浅田真央さんがバンクーバー五輪で演じたことは記憶に残っていますね。

ラフマニノフはこのあとさらに「10の前奏曲」作品23、「13の前奏曲」作品32を作曲し、24の全調1曲ずつの前奏曲を完成させました。

これはショパンの「24の前奏曲」作品28を参考にしたものと考えられています。

主部・再現部と中間部との対照が明確な、三部形式によるものが多くなっています。

ラフマニノフ　前奏曲「鐘」　作品3-2　

ラフマニノフはショパンにならって、24の全調1曲ずつの前奏曲を完成させました。

ショスタコーヴィチ／24の前奏曲 作品34、24の前奏曲とフーガ 作品87

ショスタコーヴィチの24の前奏曲は、ショパンのプレリュードにならって作られた、自由な型式の小品です。

驚くべきことに、この24曲は1日に1曲のスピードで作曲されたといいます。

後年に作曲された作品87の前奏曲とフーガは、バッハの「平均律クラヴィーア曲集」のスタイルを踏襲したもので、より厳格な形式となっています。

近現代ならではのぶつかるような和音や、ロマン的な感情を表現したような曲もあり、バッハの時代とはまた違った曲調を楽しむことができます。

ショスタコーヴィチ　24の前奏曲とフーガ 作品87

ショスタコーヴィチは、ショパンにならった自由な形式のプレリュードと、バッハにならった厳格な形式のプレリュード2種類を作曲した

まとめ

いかがでしたか?プレリュードの特徴を知ることで、クラシック音楽に関する知識がさらに広がったのではないでしょうか。

いろいろなプレリュードを聴いて、あなたのお気に入りを見つけてみてくださいね。

お子さんがいらっしゃる方は、「クラシック音楽って教育に良さそうだし子供に聴かせたいな」「でもどんな曲がいいんだろう？」とお悩みではないでしょうか。

今回は、クラシック音楽の中でも特に子供たち向けの曲について解説していきます。

子供向けのクラシック音楽を紹介します！

子どもにおすすめのクラシック曲って？

子供たちには、曲名からイメージの湧きやすく、分かりやすいメロディーの音楽が良いでしょう。

また、クラシックに詳しくないパパ、ママにも耳なじみのある定番曲がいいですね。

アイネ・クライネ・ナハトムジーク（第1楽章）

誰もが聴いたことがある、モーツァルト作曲の有名曲です。

モーツァルトを聴くと、「頭が良くなる」いう話を聞いたことがありませんか？

モーツァルトの音楽には高い周波数の音が豊富に含まれており、自律神経を覚醒させ、脳を刺激して身体の緊張をほぐし、感覚機能を安定化させる作用があるといわれてます。

モーツァルトのバイオリン曲やピアノ曲は3,500Hz以上の高周波の音を豊富に含んでいます。

また、モーツァルトの曲はリラックス効果が高いと言われています。

その理由は、一定のフレーズの「繰り返し」が多く含まれるため。

この「繰り返し」は、心拍音、そよ風、川のせせらぎなど自然音のパターンに含まれる「ゆらぎ」と同じ効果があり、副交感神経を優位にしてリラックスさせてくれます。

これらの効果はモーツァルト効果ともよばれています。

モーツァルトの曲には、感覚機能を安定化させたり、副交感神経を優位にしてリラックスさせてくれたりする「モーツァルト効果」があるとされる

くまんばちの飛行

「くまんばちの飛行」はくまんばちの羽音を模したユニークな曲です。

音楽で本当に蜂の飛ぶ様子がリアルに再現されていて驚いてしまいます。

お子さんと「はちさんブンブン飛んでいるね〜」「今どんなところを飛んでいるのかな？」とお話しながら聴いてみてはいかがでしょうか。

また、様々な楽器向けに編曲されているので、聴き比べてみるのも楽しいかもしれません。

イメージを膨らませたお子さんが、身体をいっぱい使って飛ぶ真似をしたり、思い思いの情景をお話したり絵に描いてくれたりと、自由に表現してくれるでしょう。

「くまんばちの飛行」はいろいろな編曲で蜂の羽音が表現されており、聴き比べてみると楽しい

動物の謝肉祭

子どもたちは動物が大好きですよね。

この曲はサン=サーンスの作曲した組曲で、1曲が1分前後と短めなので、子どもたちが飽きずに楽しめます。全14曲ですが、その中でも特におすすめの4曲をご紹介します。

第5曲「象」。コントラバスの音色が象らしさをよく表現していて、まさしく象そのもの！

第7曲「水族館」。グラスハーモニカという楽器の幻想的な雰囲気にうっとりとしてしまいます。魚が泳いでいる動画を見ながら曲を聴くと、まるで海の中に迷い込んだような気持ちになれます。

第9曲「森の中のカッコウ」。クラリネットがユーモラスにカッコウの鳴く様子を表現しています。

お子さんも思わず一緒になって「カッコー！」と歌い出しちゃうかもしれません！

第12曲「化石」。随所に有名曲の旋律が散りばめられていて、あ！これ知ってる！と嬉しくなってしまう曲です。

曲全体が明るく楽しげなので思わず踊りたくなってしまいます。

サン＝サーンスの「動物の謝肉祭」は、聴いただけでまさにそのタイトルの動物を思い浮かべられて楽しい

子犬のワルツ

ショパン作曲の有名なピアノ曲です。

ショパンの恋人が飼っていた子犬には”尻尾を追ってぐるぐる回る”習性があったそうです。

恋人ジョルジュ・サンドは「この子犬のくるくると回る様子をピアノで表現できる？」とショパンに聞いたところ、ショパンはあっという間に、即興でこの曲を作ったといわれています。

細やかな動きの旋律が、かわいらしい小犬がじゃれついて転がっているようですね。

また。ショパンのワルツop.34-3は「子猫のワルツ」と呼ばれています。

名前をつけたのはショパンではありませんが、演奏を聴いた人が子猫みたいと感じたところから俗称として広まっていきました。

お子さんと「こっちは子犬、こっちは子猫のワルツなんだって」と聴き比べてみると楽しそうですね！

ショパンのピアノ曲には、有名な「子犬のワルツ」の他にも「子猫のワルツ」が存在する

剣の舞

ハチャトゥリアン作曲の勇敢でかっこいい一曲。

思わずおもちゃの刀を出してきて、一緒に戦いたくなってしまいますね。

ティンパニーやスネアドラムのリズムが気持ちを高ぶらせます。

繰り返しの旋律が子どもには覚えやすいので、きっと大好きになるでしょう。

剣の舞はバレエ音楽の一幕なのですが、初演が迫ったある日、士気高揚する踊りを追加してほしいと急遽命じられ、作曲するはめになった曲なのです。

踊りにふさわしいリズムはないか机を指で叩きながら徹夜で考えた末にこのリズムを閃き、8時間でかきあげたという逸話が残っています。

「剣の舞」は、急遽8時間でかきあげたという逸話のある傑作

子供の情景〜トロイメライ〜

シューマン作曲のピアノ曲です。

コンセプトとしては、大人が子供の心を思い出すための作品となっていますので、お子さんと一緒に聴きながら、ぜひノスタルジーな気分に浸ってください。

全13曲の中でもっとも有名なのが「トロイメライ」。

夢想にふけることという意味があり、うっとりしてしまいます。

同じく「異国から」もとてもすてきな曲ですよ。

活動的な曲を聴いた後は、しっとりと落ち着いた曲で心を鎮めることでクールダウンできそうですね。

シューマンの「子供の情景」は大人が子供の頃を思い出すために作られた

お子さんと一緒にクラシック音楽を聴いてみましょう。

子ども向けのクラシック曲についてお分かりいただけたでしょうか。

もしかしたら、お父さん・お母さんのほうが夢中になってしまうかもしれませんよ。

ぜひ、お子さんと一緒にクラシック音楽を聴いて、その美しさに癒やされながら楽しんでみてください。

奏者が舞台に上がるものの、座ったまま楽器を演奏せず舞台を後にするという、驚愕のクラシック音楽があるのをご存知でしょうか。

なぜこの曲が生まれたの？楽譜はどうなっているの？そもそもそれって音楽？といった疑問が解決できるよう解説をしていきます。

奏者が1音も演奏しないという「4分33秒」という曲について解説していきます！

クラシック音楽の衝撃作「4分33秒」

アメリカの作曲家ジョン・ケージが1952年に作曲した作品です。

この曲は3楽章構成で、楽譜には全ての楽章に休符（長い休みを意味する“Tacet”）だけが書いてあります。

そのため演奏者は音を出しません。

聴衆はその場に偶然起きる、空調の音や服の擦れる音、呼吸や咳払いの音を聴くことになります。

まるでお笑いコントのような楽曲なのですが、この「4分33秒」はクラシック音楽の中でも非常に高い評価を受けている楽曲の1つなのです。

・楽譜には休符（tacet）だけがかいてあるため、演奏者は音を出さない
・その場に偶然起きる音を音楽として聴くスタイル

なぜ「4分33秒」が生まれた？

ケージは、音の無い世界を知りたいとハーバード大学の無響室を訪れます。

しかし、無音であるはずの中で彼は2つの高い音と低い音を聴いたのです。それは“自分の神経系が働いている音”と“自分の血液が流れている音”でした。

無音を体験しようとして入った場所でなお、音を聴いたことに「私が死ぬまで音があるだろう。それらの音は私の死後も続くだろう。だから音楽の将来を恐れる必要はない」という言葉を残しています。

完全な無音は不可能であるという認識を得たケージは、沈黙とは無音ではなく、「意図しない音が起きている状態」であり、楽音と非楽音には違いがないという考えに行き着きました。

「その時私たちが本当に静かにしていて全員が耳を澄ましているという状態があれば、そうした事自体が音楽であってくれたらいいと思うのです」とも話しています。

ハーバード大の無響室で自分の体の中に流れる音を聞いたケージは、「沈黙とは意図しない音が起きている状態」であることを悟った

「4分33秒」の構成について

1952年の初演に使われた楽譜は、12ページの大譜表で書かれています。

通常ピアノで演奏することが多いですが、どんな楽器でも演奏できると注釈が表紙に書かれています。

縦に線が引かれて各楽章の時間を表しています。

1960年に出版された楽譜は1枚に印刷され、各楽章に長い休みを表すtacetが指示されています。

この版では、全楽章合わせて4分33秒であれば各楽章の長さは自由と書かれています。

「4分33秒」の楽譜は12ページの大譜表で書かれた版と、1枚の紙で書かれた版がある

クラシック音楽の歴史を辿ってみよう

ケージが「偶発性の音楽」にたどりつくまでの、クラシック音楽の歴史を紐解いていきましょう。

時代を経るほどに複雑化

クラシック音楽の歴史は、基本的に「時代が新しくなればなるほど複雑になる」といった特徴があります。

ハイドンやモーツァルト、ベートーヴェンの時代の「古典派」の音楽は、「リズム」、「メロディー」、「ハーモニー」という音楽の三要素で構成されていました。

「古典派」の音楽をより複雑にしたものが「ロマン派」の音楽。

その複雑化は、「近代」になると更にめざましく、「現代音楽」においては、常人の理解を超えた難解な音楽になっています。

　なぜ音楽がこのような複雑な道を歩んでしまったのかというと、それはひとえに「過去の偉大な作曲家を超え、比類ない存在になりたい」という作曲家達の思いにほかなりません。

同じスタイルでは、いつまでも先人たちの二番煎じにしかなれない。

それならば自分が新しいスタイルを確立しようと、もがいてきた結果がこのような複雑化した現代音楽でした。

各時代の作曲家が先人たちを超えようともがいてきた結果、音楽はどんどん複雑化していった

偶発性の音楽へ

そこにケージが取り入れたのが「偶発性の音楽」です。

従来の西洋音楽は、作曲家が楽曲を綿密に構成し、その結果を確定的な形で楽譜に記すものでした。

しかしケージは、「作曲する－演奏する－聴く」という3つの要素のうちのどこかに、偶然が入り込むための仕掛けを施したのです。

作曲の際、音を決めるのにコインを投げて行う、紙のしみを音符に見立てて音を選ぶ、図形楽譜を使うことで奏者のイメージ即興に任せる、というようなものでした。

引用：https://monoskop.org/File:John_Cage_Notations_1969.pdf

独自のスタイルを確立

「複雑」の反対は「単純」ですね。

複雑な音楽を作る流れが主流になったことで、全く反対の考えが生まれました。

演奏者が音を出さない「４分33秒」は、その反対の流れの最もたるものでしょう。

それまでのクラシック音楽においては、作曲家・演奏者・聴衆が区別されていて、音楽とは作曲家や演奏者が生み出す音のこととして認識されていました。

それに対してケージは「聴く」という点を重視し、作曲家や演奏家の立場を最小限にとどめようとしたのです。

楽譜上はすべて休符ですが、この間聴衆はその場にある何かしらの音を聴いていますよね。

「4分33秒」は、演奏者が奏でる音ではなく、一定の時間内に意図せず生じた音をありのまま受け入れるという、偶発性の音楽の頂点ともいえる音楽なのです。

「音楽は時間の芸術」という言葉のまさに象徴的な存在ともなりました。

この作品によって、楽器などの音だけでなくあらゆる音が音楽として認識されることになり、クラシック音楽界に多大な影響を与えました。

「4分33秒」はこの時間内に生じた音をありのまま受け入れるという、偶発性の音楽の頂点

まとめ

あなたはこの曲、音楽として「アリ」「ナシ」どちらだと思いますか？

「音楽は、提供された音を楽しむもの」という今までの常識が覆されるような曲で、とても考えさせられますよね。

クラシック音楽の新たな可能性を感じていただければ幸いです。

クラシック音楽ファンの間でたびたび議論になる話題があります。

それが「いったいどの曲が最高傑作なのか？」です。

結論を言うと、世界中の誰もが認めた最高傑作！というものはありません。

最高傑作と感じるものは、人それぞれであるからです。

しかし、多くの人が素晴らしいと評価をしている楽曲は確かに存在します。

そこで今回は、それらの曲を最高傑作と仮定し、編成別に紹介したいと思います。

※なお、作曲家の偏りを避けるため、ひとりにつき一曲のみで厳選しています。

多くの人が評価している最高傑作の曲を、編成別に紹介します。

交響曲の最高傑作

交響曲とは、一般的に「多楽章から構成される管弦楽（オーケストラ）曲」を指します。

ひとつの大きな曲がいくつかに分かれていて、それらのひとつひとつを「楽章」と呼び、基本的に三〜四楽章で構成されているのが特徴です。

シューベルト「交響曲第七番ロ短調D759《未完成》」

交響曲には「三大交響曲」と呼ばれている三つの楽曲があるのをご存じですか？

ベートーヴェンの「運命」、ドヴォルザークの「新世界」、そしてこのシューベルトの「未完成」です。

以前は「交響曲第八番」と数えられていましたが、現在では番号変更により「第七番」になりました。

そんなシューベルトの「交響曲第七番《未完成》」は、彼の死後に発見された曲で、その名のとおり未完の作品です。

本来、第四楽章まであるはずの交響曲ですが、「未完成」は第二楽章までしかありません。

第三楽章は書きかけていたようですが、完成はしませんでした。

第二楽章までの完成度が高く続きが書けなかった、違う仕事が入ったなどいろいろな説があるようですが、真相は謎のままです。

第一楽章、第二楽章ともにさみしく物悲しい雰囲気の楽曲ですが、神秘的で切ないメロディーと、たまに差す陽光のような穏やかさが光る美しい作品です。

素晴らしい交響曲がたくさんある中で、完成していないのにもかかわらず三大交響曲のうちのひとつに数えられているのには、楽曲の美しさはもちろん、もう決して完成することはない「未完」であるということに、はかなさや魅力を感じてしまうのかもしれませんね。

世界三大交響曲は、ベートーヴェンの「運命」、ドヴォルザークの「新世界」、シューベルトの「未完成」

交響詩の最高傑作

交響詩は、作曲家リストが創始したと言われている形式です。

基本的に一楽章形式で切れ目なく演奏される楽曲が多く、物語や絵画、風景などが音楽で表現されています。

R.シュトラウス「ツァラトゥストラはかく語りき」

この楽曲の冒頭部分を耳にしたことがある人は、とても多いのではないでしょうか。

映画「2001年宇宙の旅」に用いられている楽曲でもあります。

ドイツの哲学者ニーチェの代表的な作品をもとに、リヒャルト・シュトラウスが音楽にしたものです。

出だしのメロディーが有名すぎて最後まで聴いたことのない人もいると思いますが、この後に続く音楽は冒頭部分と打って変わり、優美かつ荘厳な雰囲気で進んでいくんですよ。

しかし、またドキドキハラハラするような曲調や不穏な雰囲気に変わったり、キラキラしたファンタジーな感じになったり……。

交響詩の名前にふさわしく、本当に物語を読み進めるように楽しく聴ける一曲です。

冒頭部分が有名な「ツァラトゥストラはかく語りき」は、物語のような楽しい曲なので他の部分も聴いてみて

協奏曲の最高傑作

ピアノやヴァイオリンといったソロ演奏者と、オーケストラが協演する楽曲を協奏曲と言います。

主に三楽章で構成されており、曲中に「カデンツァ」と呼ばれるソロ演奏者の独奏が入ります。

カデンツァの演奏中はオーケストラの演奏も止まり、ソロ演奏者の華やかな演奏が聴けるので、クラシックコンサートでも人気の高い演奏形態です。

ラフマニノフ「ピアノ協奏曲第二番ハ短調作品18」

ラフマニノフの楽曲の中でも、とても人気の高いロマンティックな作品です。

息をのむような甘美で美しい旋律と、オーケストラとピアノによる重厚な協演に、心奪われてしまう人は多いのではないでしょうか。

全部で三楽章までありますが、すべての楽章が美しく聴きやすい構造になっているので、クラシック音楽初心者でも飽きずに最後まで聴くことができますよ。

このピアノ協奏曲は、協奏曲というジャンルの中でも抜きんでた傑作だと言われています。

とても人気のある曲のため、さまざまなピアニストたちが演奏しているので、ぜひ聴き比べてみてください。

ラフマニノフ「ピアノ協奏曲第二番ハ短調」は、すべての楽章が美しく聴きやすい構造になっているのでクラシック音楽初心者にもおすすめ

室内楽曲の最高傑作

室内楽とは、少人数の器楽演奏者により演奏される音楽のことです。

楽器の組み合わせにはさまざまなものがありますが、2つのヴァイオリンとヴィオラ、チェロの組み合わせである「弦楽四重奏」がもっともポピュラーと言って良いでしょう。

大人数のオーケストラほど派手ではないけども、各楽器が出しているメロディーが分かりやすく、かつ美しい重奏を聴けるのが室内楽の魅力です。

ベートーヴェン「弦楽四重奏第十四番嬰ハ短調作品131」

弦楽四重奏の中でも最高傑作として名高いのが、ベートーヴェンの第十四番です。

前後の第十三番、第十五番も傑作の声が高い作品ですが、この第十四番を聴いたシューベルトは「この後でわれわれに何が書けるというのだ？」と語ったとのこと。

第十四番は全部で第七楽章からなる楽曲で、依頼のために作曲することが多かったベートーヴェンにとって自発的に作曲したうちの一曲だそうです。

全体を通してとても前衛的に仕上がっており、ベートーヴェンの名曲と言われている他の楽曲と比べると、少し異質で難解な印象を受けるかもしれません。

決して「わかりやすく聴きやすい」とは言えない楽曲ですが、いろいろなクラシック音楽に触れた後にぜひ聴いてみてほしい音楽です。

その時にシューベルトが語った言葉の理由が理解できるかもしれません。

ベートーヴェンの弦楽四重奏第十四番は、いろいろなクラシック音楽に触れた後にぜひ聴いてみてほしい一曲

独奏曲の最高傑作

単独の演奏者によって演奏される楽曲のことを「独奏曲」と言います。

さまざまな楽器の名曲がありますが、今回は楽器の王「ピアノ」と、楽器の女王「ヴァイオリン」の楽曲を紹介しますね。

【ピアノ曲】ショパン「《幻想ポロネーズ》変イ長調作品61」

作り上げた作品のほとんどがピアノ独奏曲だと言われている「ピアノの詩人」ショパン。

彼のポロネーズの中で知名度が高いのは「英雄ポロネーズ」や「軍隊ポロネーズ」だと思いますが、作曲技法などを含めた観点から、この「幻想ポロネーズ」は、ショパンの技術を詰め込んだ傑作中の傑作と言われています。

流れるように音楽が進んでいきますが、自由な転調を繰り返し、どこかつかみどころがない印象も受ける作品です。

しかし、それこそがまさに「幻想（Fantaisie）」らしく、魅力に感じる部分であるのかもしれません。

切々とした夢幻的な旋律で、ピアノという楽器が奏でる音の美しさを最大限までに引き出している作品です。

ショパンの「幻想ポロネーズ」は、ピアノという楽器が奏でる音の美しさを最大限までに引き出している

【ヴァイオリン曲】バッハ「無伴奏ヴァイオリンのためのソナタとパルティータBWV1001-1006」

演奏は、ヴァイオリンたった一本だけ。

しかし、オーケストラの演奏に負けないほどの壮大な世界観が広がる神々しい楽曲です。

この曲はソナタとパルティータという音楽形式によって作られており、全部で大きく6つに分かれています。

通して聴くととても長い楽曲ですが、作品中のパルティータ第三番「第三曲ロンド形式によるガヴォット」はとても有名なので、どこかで耳にしたことがあるかもしれませんね。

このガヴォットは、後述するモーツァルトの楽曲「魔笛」とともに「ボイジャーのゴールデンレコード」と呼ばれるレコードに収められている一曲でもあります。

ゴールデンレコードとは、地球の生命や人々の文化を宇宙のかなたの生命体に伝えるため、ボイジャー探査機に搭載されたレコードのこと。

われわれ地球人の記憶・記録として選曲されたこの曲は、まさに最高傑作としてふさわしいものではないでしょうか？

バッハ「無伴奏ヴァイオリンのためのソナタとパルティータ」は独奏曲にもかかわらず、オーケストラに負けないほどの壮大な世界観が広がる神々しい楽曲

組曲の最高傑作

もともとは、いくつかの舞曲を組み合わせたオーケストラ曲のことです。

それぞれのテーマを持つ楽曲を組み合わせ、全体でひとつの作品となります。

時代の変化により舞曲だけでなく、さまざまな曲を自由に組み合わせて作られた作品も組曲と呼ぶようになりました。

チャイコフスキー「バレエ組曲《くるみ割り人形》」

チャイコフスキーの三大バレエ組曲の中で、もっとも人気があり高い評価を得ている作品がこの「くるみ割り人形」ではないでしょうか。

音楽を通して、華やかでキラキラとした色彩が伝わってくるような名作です。

退屈だと感じさせる部分があまりないので、クラシック音楽初心者の方や小さなお子さんでも大変聴きやすい作品と言えるでしょう。

多くの人に受け入れられているという意味でも、この楽曲は傑作と言って良いと思います。

チャイコフスキー「バレエ組曲《くるみ割り人形》」は退屈な部分がないので、お子様のクラシック曲デビューにもおすすめ

声楽曲の最高傑作

声楽曲とは、人の歌声をメインにした歌曲のことです。

独唱曲はもちろん、オペラや合唱曲などもこれに含まれます。

主に、女声のソプラノ、メゾソプラノ、アルト、男声のテノール、バリトン、バスという6つの音域に分けられています。

モーツァルト「歌劇《魔笛》K.620」

モーツァルトが遺した最後のオペラ「魔笛」。

メルヘンの世界の物語で、全体的にモーツァルトらしい軽やかで明るい空気感が漂う作品です。

中でも、とても有名なのが夜の女王が歌い上げる「復讐の炎は地獄のように我が心に燃え」。

「夜の女王のアリア」とも呼ばれています。

ソプラノの歌声による超絶技巧は、人の声でこんな表現ができるのか……！と、圧倒されること間違いなしでしょう。

今でも世界中で愛されているオペラの傑作です。

モーツァルトのオペラ「魔笛」は、ソプラノの歌声による超絶技巧に圧倒されること間違いなし

クラシック音楽の様々な編成での最高傑作のまとめ

いかがでしたか？

最高傑作と名高いものを集めてみましたが、もちろん異論はあると思います。

あなたが「最高傑作」と思えば、その楽曲こそが至高であって良いのです。

いろいろな楽曲を聴いて、自分が「最高！」と思える作品に出会えることが、クラシック音楽の楽しさのひとつでもありますよね。

そういった経験がまだの方には、ぜひ今回紹介した楽曲を聴いてみてください。

あなたの「最高傑作」に出会えるかも？しれませんよ！

ポピュラー音楽とは、ロック、ジャズなど、クラシック音楽には属さない、娯楽性、大衆性をもつ音楽のことを指します。

親しみやすい音楽ということですね。

今回はそんな「ポピュラー音楽」の特徴を、クラシック音楽と比較しながら解説していきます。

大衆性を持つ、親しみやすいポピュラー音楽の特徴をクラシック音楽と比較して解説します。

ポピュラー音楽の種類

クラシック音楽が時代を超えて認められる西洋の伝統的な芸術音楽なのに対し、ポピュラー音楽は特定の時代における娯楽性や流行色の強い音楽です。

ポピュラー音楽には100以上もの種類があると言われていますが、その中でも代表的なものをご紹介します。  

ロック

8(エイト)ビートのリズムを強調した、若者向けのエレクトリックな音楽です。

アコースティック楽器を用いるクラシックに対して、電気で音量を増幅できるため、迫力あるサウンドになっています。

基本は4名でバンド構成され、ボーカル、リードギター、リズムギター、ベース、ドラム、鍵盤楽器（キーボード、ピアノ、シンセサイザーなど）から、ひとつ以上担当します。

ロックは裏ノリといわれ、強拍の位置がクラシックとは異なります。

４拍子の曲で手拍子をするとき、ロックの曲では２・４拍目で打つことになります。        

WE WILL ROCK YOU – QUEEN

ロックは、8(エイト)ビートのリズムが特徴で、クラシックとは異なる裏ノリのエレキトリックな音楽

ジャズ　　　

約100年前にアメリカ南部で発生した黒人音楽です。

ジャズの特徴は、軽いノリのスウィング（最初の音符と真ん中の音符をタイでつなげた3連符からつくられる）、裏の音符の多いシンコペーションのあるリズム、複雑なコードやスケールなどです。

クラシック音楽とジャズの違いは？

クラシックは楽譜至上の音楽ですが、ジャズはアドリブ(即興演奏)の音楽で、楽譜はそれほど重要ではありません。

コード進行の流れから、無限にメロディを即興で紡いでいくのがジャズの真骨頂でしょう。  

Miles Davis – So What 

ジャズはスウィングやシンコペーションのリズムが特徴で、アドリブの音楽なので楽譜至上のクラシックとは異なる

ラテン　　　

ラテンは、ダンスと一体となった音楽です。

中南米が発祥で、さまざまな音楽要素や地域性・民族性が融合したものとなっています。

スペイン音楽の音階にアフリカ音楽のリズム、ヨーロッパの和声などです。

リズムは8分の6拍子の中で、2ビートと3ビートを交互に進行する形式がよく使われます。

ワクワクするリズムです。

クラシック音楽にも使われるあの旋法

メロディはフリギア旋法に近い「ミの旋法」と呼ばれる音階が定番。

決まったコード進行をずっと繰り返す循環コードで、即興のセッションを行います。　　

Juan Gabriel – Hasta Que Te Conocí 

ラテンは中南米の音楽で、スペイン音楽の音階にアフリカ音楽のリズム、ヨーロッパの和声と、さまざまな音楽要素や民族性が融合したものになっている

シャンソン　　

フランスのポピュラーソングで、人生の哀歓などを歌ったものが多く、歌手の個性的な表現が特色です。

ジャズは黒人音楽、シャンソンは白人音楽という決定的な違いがあり、リズムも基本的には拍の頭でとるところはクラシックと共通しています。　

オペラのような頭声発声ではなく胸声発声である点が特徴で、 暗い内容を語るように歌います。 　

パリの空の下 (Sous le ciel de Paris) 

シャンソンは、リズムを拍の頭でとるところはクラシックと共通しているが、オペラのような頭声発声ではなく胸声発声である

ポップ　　

ロックから派生した、より現代的で庶民的なジャンルです。

動きのあるメロディが重視され、Aメロ、Bメロ（海外の曲では用いないこともある）からサビ（コーラス）への流れを楽曲中で繰り返す形式になっています。

一般的にライブよりもレコーディング重視で、ダンス向けのリズムを使用しています。

特に恋愛に関するテーマが多くなっています。

和声の構成は、古典的なヨーロッパの調性音楽をシンプルにしたものが多いのも特徴で、万人に受け入れられやすい、分かりやすい音楽となっています。　　　

The Beatles – Ob-La-Di, Ob-La-Da

ポップは、Aメロ・Bメロ・サビで構成された形式で、古典的なヨーロッパの調性音楽をシンプルにした分かりやすい音楽

ソウル　　

1950〜60年代にアフリカ系アメリカ人発のゴスペルとブルースが合わさって生まれたジャンルです。

「ソウル」とは「精神」とか「魂」のことで、日本でいう「演歌」に近く、ありのままの自分をさらけ出して歌うのが特徴です。

教会音楽のゴスペルをルーツに持つソウルですが、基本的にはラブソングが主体の大衆音楽です。

クラシック音楽とミサの違い

クラシックのミサ曲のような頭声発声ではなく、ゴスペルに由来のパワフルな胸声発声にコード進行、R&B由来の覚えやすいリズム、コールアンドレスポンス、即興の多用などが特徴です。　　

Mary J. Blige – Be Without You

ソウルは、ありのままをさらけ出してパワフルな胸声発声で歌う、ラブソングが主体の大衆音楽

レゲエ　　

ジャマイカ発祥のポピュラー音楽です。

ドラムとベースによって形作られる特有のグルーヴ（ノリ）があります。

ドラムは各小節の3拍目にアクセントが置かれ、ベースは音数の少ない非常にシンプルなものですが音が大きく、うねるようなベースラインを奏でます。

そこにリズムギターやキーボードが第2、第4拍目にアクセントを置き、オフビートを刻みます。

クラシック音楽とレゲエの違いは拍？

裏拍重視の音楽でクラシックとは異なる点ですね。　　　

Protoje – Who Knows ft. Chronixx

レゲエは裏拍重視の音楽で、ドラムとベースによって形作られる特有のグルーヴ（ノリ）がある

ラップ　　

クラシックのようなメロディをあまり必要としないのが特徴です。

似た言葉や語尾が同じ言葉を繰り返し、韻（ライム）を踏みながら、会話に近い抑揚をつけて発声します。

曲の拍感覚に合わせる方法（オン・ビート）と合わせない方法（オフ・ビート）があります。

KREVA「音色 ～2019 Ver.～」(Full Ver.)

ラップはメロディを重視せず、韻（ライム）を踏みながら、会話に近い抑揚をつけて発声する音楽

クラシック音楽とポピュラー音楽の違い【まとめ】

いかがでしたか？ポピュラー音楽は世界のいろいろな場所をルーツとしており、その特徴も様々です。

ジャンルによってはクラシック音楽との共通点もあるところがおもしろいですね。

興味のあるジャンルがあればぜひ聴いてみて、日々の音楽の楽しみの幅を広げてくださいね。

今回はそんな方々のために、クラシック音楽に関する仕事にはどんな職業があるのか解説していきます。

クラシック音楽に関する仕事にはどんな職業があるのか解説していきます。

クラシック音楽に関する仕事といえばこんな職業！

プロの演奏家になるしか道はないの？と考えがちですが、そんなことはありません。

曲を作る仕事、次世代の奏者を育てる仕事、奏者が気持ちよく演奏できるよう支える仕事など、多種多様な仕事が存在します。

1つ1つ見ていきましょう。

【クラシック音楽の司令塔】指揮者

オーケストラや合唱団の演奏会などで、テンポ・強弱など演奏の指示を与え、演奏全体を形作っていくのが指揮者の仕事です。

ただ棒を振ってテンポを示しているだけと思ったら大間違い。

楽器ごとの微細な表現の仕方までこだわり、奏者に音色や奏法に対する要求をしています。

同じ楽団で同じ曲を演奏しても、指揮者が違うと音楽の雰囲気も変わってきます。

オーケストラの色彩は指揮者によって決まると言っていいほど、非常に重要な役割です。

ただ音楽の知識がある、音楽の才能があるだけではなく、演奏家たちの能力を引き出し、まとめ、自分の思い描いた理想の音楽をつくりあげていくカリスマ的な統率力が必要になります。

指揮者は、演奏家たちの能力を引き出し、まとめ、自分の思い描いた理想の音楽をつくりあげていく重要な仕事

【クラシック音楽のパフォーマー】演奏家

演奏の対価として報酬をいただくお仕事です。

フリーで演奏を行ったり、プロのオーケストラや合唱団の団員として雇用されたりして活動します。

コンサートなどの演奏活動だけでなく、ＣＤや放送用の録音演奏、学校やイベントでの教育・広報活動もあります。

プロの音楽家になるには長い期間とお金がかかる上に、常に練習を怠ることなく努力を続けなければなりません。

また、自分の実力を測るために定期的にコンクールへ出場し、良い成績を収めることができれば、一流の音楽家であることが認められた証になるといわれています。

これだけ苦労しても、演奏の仕事だけで生計を立てられないこともある厳しい職業ですが、自分の演奏でお客さんを感動させられるのは何にも代えがたい喜びです。

演奏家は、自分の演奏でお客さんを感動させられるという喜びがある仕事

【クラシック音楽を作る創造主】作曲家

クライアントから依頼を受けて、イメージや求められている方向性に合わせて曲作りを行います。

有名シンガーやアイドル、ロックバンドなどに楽曲を提供する、ドラマやCM、映画、演劇、ミュージカルなどに使用される楽曲を制作する、オーケストラやアンサンブルの演奏用楽曲を作曲するなど内容は多岐に渡ります。

古典的なクラシックから現代音楽、はてはポピュラー音楽からゲーム音楽まで、ジャンルは幅広く存在します。

近年、DTM（デスクトップミュージック）といわれるパソコンを利用して楽曲制作をおこなう手法がポピュラーとなっているため、その操作方法や技術を学び習得しておくことも大切です。

作曲家が作る曲の内容やジャンルは幅広く、パソコン操作も必須になる

【クラシック音楽を教える仕事】教員・音楽教室講師

人に教えるのが好きな方は、指導の道へ進むのも良いですね。

学校で音楽を教えるためには教員免許が必須なので、教職過程のある大学へ進学することになります。

音楽の教員は音楽の知識・技術も必要ですが、それに加えて生徒への指導力が求められます。

また、近年は少子化による児童・生徒数の減少により、複数教科の免許状や、特別支援教育の指導力も求められる傾向にあります。

また、教員採用試験でも音楽科は採用数が極めて少なく、高倍率です。

音楽教室の講師になるには講師採用試験を受けますが、合格するには音大卒業程度の実力が必要になります。

そのため、音大または音楽の専門学校を卒業する必要があります。

子どもだけでなく、近年は大人の生徒さんも多くなっています。

音楽の教員は複数教科の免許状取得や特別支援教育の指導力、音楽講師は大人への指導も求められる時代

【演奏会を支える】ホールスタッフ

演奏者を支える縁の下の力持ちです。その中でも様々な職種があり、役割を分担しています。

ステージ・マネージャー（現場監督）

コンサートの運営と進行の統括を行います。

演奏者の個性、要望、また必要とされる舞台のセッティングや機械操作、すべてを把握します。

本番中は舞台に出ていく演奏者を舞台下手で見送り、そこから舞台と客席に注意を払いながら、開始から終了まで状況を見ながら指示します。

コンサートの運営と進行の統括を行うのがステージマネージャー

舞台スタッフ　

舞台の床の一部をくりぬいて昇降装置を施したいくつもの迫（せり）の調整、台やスペースの追加などを行います。

他にも、看板や背景幕を吊る、反響板を組む、ピアノ・指揮台・譜面台や椅子などを出すのも仕事です。

音響・照明へのキュー出しや舞台運営上のスケジュール管理もしています。

舞台の準備全般や舞台運営上のスケジュール管理を行うのが舞台スタッフ

照明スタッフ

演奏者や主催者の希望に沿って光を操る、ステージに欠かせない演出を受け持ちます。

オペラ公演などでは照明による華やかな演出もありますが、他にも演奏者が引き立つように光を当てつつ、譜面がまぶしくなく見える明るさになるよう照明を調整するという重要な役目があります。

いかに奏者にストレスなくステージを魅せられるかが腕の見せ所です。

照明スタッフは演奏者が引き立つように光を当てつつ、譜面がまぶしくなく見える明るさになるよう微細な調整をしている

音響スタッフ（コンサートPA）

「音響のスペシャリスト」とも呼ばれ、マイクや楽器から放たれる音を集約し、クリアな音が行き届くように音量や音質の調整を行います。

音響機材の操作方法の他にも、舞台技術や楽器について、たくさんの知識を身に付ける必要があります。

音響スタッフは、舞台技術や楽器について、たくさんの知識を身に付ける必要がある

クラシック音楽を仕事にする職業のまとめ

クラシック音楽に関する仕事は、演奏家から指導者、奏者を支えるスタッフまで様々な職種があることがお分かりいただけたでしょうか。

あなたの適性に合ったお仕事もあったのではないでしょうか？

ぜひ、好きな音楽を一生の仕事にして、充実した人生を歩んでください。

音楽という芸術を生み出してきた偉大なクラシック音楽家たち。

彼らはクラシック音楽に対する思想を、数々の「言葉」として残しています。

今回は、そんなクラシック音楽家たちが残した名言にスポットをあててみたいと思います。

音楽の世界に関する名言はもちろん、私たちの人生において役立ちそうな言葉も厳選して紹介しますので、ぜひお気に入りのフレーズを探してみてくださいね。

クラシックの音楽家たちの思想や名言を厳選してご紹介します！

バロック・古典派時代のクラシック音楽家の名言

クラシック音楽のいしずえとなる基本が完成した時代。

今からおよそ200〜300年前の音楽家たちの音楽に対する思いは、いったいどのようなものだったのでしょうか？

バッハ

ヨハン・ゼバスティアン・バッハ（1685-1750）ドイツの作曲家・オルガニスト

「音楽だけが世界語であり翻訳される必要がない。そこにおいては魂が魂に働きかける」

「音楽の父」とも呼ばれるバッハの言葉です。

言葉が通じなくても、音楽は言葉や国を超越し、わたしたちの心に伝わってきます。

例えばそれは楽しい音楽だったり、喜びの音楽だったり、悲しい音楽だったり。

クラシック音楽のみならず、歌詞の意味がわからない海外の音楽を聴いても「いい曲だな」と思えることってありますよね。

本当にその通りだなと思える名言だと思います。

「音楽の父」バッハは、音楽だけが世界語であるという名言を残した

ハイドン

フランツ・ヨーゼフ・ハイドン（1732-1809）オーストリアの作曲家

「自由な芸術と、作曲という美の意識は、技巧の束縛を許しません。心と魂は、自由でなければならないのです」

「交響曲の父」と呼ばれるハイドンは、1000曲もの作品を作ったと言われています。

しかしハイドンは、クラシック音楽形式の到達点と言われる「ソナタ形式」を確立した人物でもあります。

規則よりも芸術の自由性、独創性が重要であるという主張は、なんだか少し矛盾しているような気もしますよね。

しかし、ハイドンはそんな形式的な安心感を与えつつも、その中で自由な表現をとったり、ソナタ形式にとらわれない楽曲も数多く残しています。

膨大な楽曲を作ってきた彼の口から「心と魂は自由でなければならない」という言葉が語られるのは、なんだかとても説得力があるような気がしませんか？

規則の整ったソナタ形式を確立したハイドンも、心と魂は自由でなければならないと述べている

モーツァルト

ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト（1756-1791）オーストリアの作曲家

「音楽はどんなに恐ろしい場面でも決して耳を汚さず、やはり楽しませてくれるもの、つまり、いつまでも音楽でありつづけなければなりません」

モーツァルトといえば「明るい」「楽しい」そんなイメージがありませんか？

実際に彼の交響曲は長調（明るいイメージの曲）ばかりで、短調（暗いイメージの曲）はほんの2曲ほどしか作られていません。

モーツァルトの短調の曲もドラマチックで素晴らしいものですが、長調の曲が多いのは彼の中にいつもこの言葉があったからではないでしょうか。

音楽は、楽しむもの。

常に聴衆を楽しませ、満足させることを考えて作曲をしていたというモーツァルトの音楽観がうかがえます。

音楽は楽しませてくれるものでなければならないと述べたモーツァルトは、長調の曲ばかりを書いた

ベートーヴェン

ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン（1770-1827）ドイツの作曲家・ピアニスト

「小さな欠点があってもそこで演奏をとめさせず、終わりまで弾いてから欠点について指摘したまえ。この方法が『音楽家』を作り上げるのだ」

これは、ベートーヴェンが弟子のチェルニーに向けた言葉です。

現代の日本でも、ピアノ教則本の「チェルニー」は有名ですよね。

彼（チェルニー）は、当時からウィーン音楽院で教育者として名をはせた人物でした。

そんなチェルニーにベートーヴェンは、他にも「君の弟子が正しい指の使い方と正確なリズムを会得し、間違わずに弾けるようになってから、演奏法に注意を払いたまえ」とも述べています。

途中で間違ったりつまずいたりしても、そこで止めずにとりあえず最後まで終わらせてみること。

この教育法は、音楽を学ぶときはもちろんですが、他の何かを学んだり習得したりするときにとても大事なことだと思います。

ベートーヴェンの「欠点があっても最後まで止めない」教育法は、何かを習得するときにとても大事

ロマン派のクラシック音楽家の名言

クラシック音楽がもっとも花開いたとき、それがロマン派の時代です。

ここでは、そんなロマン派を生き抜いた音楽家たちの言葉を紹介しますね。

ショパン

フレデリック・フランソワ・ショパン（1810-1849）ポーランドの作曲家・ピアニスト

「偉大なる作曲家になるためには豊富な経験が必要とされます。そのためには他人の作品を聴くだけではなく、特に自分自身の作品をきびしく検討しなければなりません」

数々の素晴らしい楽曲を世に送り出した「ピアノの詩人」と呼ばれるショパンは、さまざまなピアノの表現様式を確立し、彼が生涯に残したのはほとんどがピアノのための作品です。

また、ポーランドの民族音楽からマズルカやポロネーズへの興味を深めたと言われており、インスピレーションを受けるために、さまざまな経験から情報を収集、整理、分析していたのではないかと思われます。

勤勉で完璧主義者だったのでは？と言われるショパン。

ロマンティック、リリカル、そんなイメージがあるショパンの楽曲ですが、それらの言葉とは裏腹に、とてもストイックに曲を作っていたのかもしれませんね。

ロマンティックな曲を多数作曲したショパンは、自分に厳しい分析家だった

シューマン

ロベルト・アレクサンダー・シューマン（1810−1856）ドイツの作曲家

「人間の心の深奥へ光を送ること。これが芸術家の使命である！」

あなたが「すばらしい！」と思うものに出会ったとき、心が満たされた気持ちになったことはありませんか？

そういった作品を作ることこそが、芸術家の使命だというシューマンの言葉です。

決して自分本位ではなく、常に聴衆のことを考えながら曲を作っていたのだなとわかる名言だと思います。

音楽家だけでなく「なにかを創造する」クリエイター全般に響く言葉ではないでしょうか。

ブラームス

ヨハネス・ブラームス（1833-1897）ドイツの作曲家

「絶えずベートーヴェンのような巨人がうしろからのっしのっしと歩いてくるのが聞こえる。その気持ちがどんなものか、きみには検討もつかないだろう」

ロマン派以降の多くの作曲家たちは、偉大なるベートーヴェンに追いつこうと、必死にもがきながら創作をしていました。

当時の世の中も「第二のベートーヴェン」を求めており、それはブラームスにとっても「優れた曲を書かなくては」と相当なプレッシャーになっていたようです。

目標でもあるベートーヴェンの作曲手法を徹底的に研究したり、書きかけた曲を破棄したり……。

そんな苦悩を乗りこえ、20年以上かけて完成させたブラームスの「交響曲第一番」は「ベートーヴェンの第十番交響曲」と絶賛されました。

ベートーヴェンの交響曲は第九番までしかないので、彼が作ったかのように素晴らしい！という意味ですね。

優れた音楽家たちは天才というイメージがあるかもしれませんが、努力と経験の積み重ねにより偉人と呼ばれるようになった人の方が多いのかもしれません。

シューマンは、ベートーヴェンの足音にもがきながら20年書けて交響曲第一番を完成させた

チャイコフスキー

ピョートル・イリイチ・チャイコフスキー（1840-1893）ロシアの作曲家

「インスピレーションにかきたてられた芸術家の心の奥底から流れ出た音楽だけが人の心を打ち、感銘や感動を与えることができるのです」

ロシアの作曲家チャイコフスキー。

彼もまた天才と言われる音楽家のひとりです。

天才だからといって、インスピレーションが無限にわいてくるかといえばそうではなかったようで「インスピレーションを待っていたら何も書けない」とも述べています。

そして、その後に「毎朝必ず作曲をする。そうすると神様がインスピレーションを送ってくれる」と続けています。

「自ら気分を高めることができた者には必ずインスピレーションが現れます」とも。

実際に行動にうつすことで、ひらめきを得られるのだということですね。

チャイコフスキーが天才音楽家だったことは確かですが、彼なりの努力があった上で、素晴らしい楽曲たちが生まれてきたのだなとわかる言葉です。

近現代のクラシック音楽家の名言

私たちが生きる今より、ほんの少し前の時代。

そんな時代の音楽家の言葉を厳選してみました。

ドビュッシー

クロード・アシュル・ドビュッシー（1862-1918）フランスの作曲家

「音楽はその本質からして、伝統的な固定した形式にはめこまれるようなものではない、との確信をますます強めています。それは色彩とリズムから作り上げられるのです」

形式にとらわれず、ほのめかすような控えめな表現を特徴とする印象主義。

その印象派を代表する作曲家ドビュッシーらしい言葉です。

彼は、新しい感性による音の響き・音色を使い、まるで絵画のような音楽を創造していきました。

独特な和音や旋律、他にはない斬新な響き。

そんなドビュッシーの音楽に影響を受けた作曲家は少なくないと言われています。

ドビュッシーは、色彩とリズムから作り上げられる絵画のような音楽を目指した

リヒャルト・シュトラウス

リヒャルト・シュトラウス（1864-1949）ドイツの作曲家・指揮者

「指揮をして汗を流してはいけない。熱くなるのは聴衆だけでいい」

リヒャルト・シュトラウスは、オペラなど数多くの傑作を世に出した作曲家です。

その一方で、トップクラスの指揮者でもあった彼は上記のような言葉を残しました。

また彼は「指揮者が歌い手の歌詞をわかっていてもだめだ。すでにその歌詞を知っているのだから。（その場ではじめて耳にする）聴衆が努力なしに歌詞をたどれるのでなければならない」とも述べています。

常に聴き手の気持ちを考えながら指揮をしたり、作曲していたのだと想像できる言葉ですよね。

ラヴェル

モーリス・ラヴェル（1875-1937）フランスの作曲家

「いつも良いものが書けるとは限らない。しかも捨てたもののほうを惜しかったと思うことさえある」

ラヴェルは、納得のいかない作品を暖炉で燃やしていました。

これは弟子のマニュエル・ロザンタールへの言葉で「音楽的には良くても、あまり良いと思われないこともあるし、自分ではすばらしいと思っていても、燃やしたほうがましなくらいひどいこともよくある」とも言っていたそうです。

何かを作り出している人ならば、似たような感情を持ったことがあるのではないでしょうか。

そして「作曲をするのはもううんざりだというくらいまでならなくては」とも。

数多くの経験を経て、やっとの思いで素晴らしい一曲を作り出していたのだなということがよくわかる一文です。

ストラヴィンスキー

イーゴリ・フョードロヴィチ・ストラヴィンスキー（1882-1971）ロシアの作曲家

「世間の人は創作をはじめるためにはまずインスピレーションを持っていなければならないと思っている。それは間違いだ。インスピレーションは努力によって、まさに仕事をすることによってのみ動き出すことができるからだ」

これは、上記で紹介したチャイコフスキーの言葉と通ずるものがあると思います。

ストラヴィンスキーの言うように、創作に優れている人は、数多くのインスピレーションを持っているというイメージがあります。

中には、そうした天才肌と言われる人も確かにいるのでしょう。

しかし、多くの創作者はそうではなく、実際に仕事に取り掛かり、毎日の努力だったり経験だったりを積み重ねた上でインスピレーションを手に入れているのだということを述べています。

もし、今あなたが何かを作り出したい、成功させたいと思っているのなら、ひらめきを待つよりも、まずは行動に移してみることが大切なのかもしれません。

【番外】クラシック演奏家の名言

最後に、クラシック音楽の演奏家たちの言葉を紹介します。

演奏することを専門にした彼らの言葉は、音楽や楽器など芸術を勉強している方に特に響くのではないでしょうか。

フランチェスコ・ジェミニアーニ

フランチェスコ・ジェミニアーニ（1687-1762）イタリアのヴァイオリニスト・作曲家

「作曲者と共に演奏者にも聴衆に感動を与えようという希望があるが、まず自分自身が感動しなければならない」

自分自身が冷めている場合と、心を揺り動かされて感動している場合。

どちらが聴衆に情熱を届けやすいかは想像に難くないですよね。

感動やすばらしい、好きだという感情は、大きな熱量となって聴衆に伝わるのではないかと思います。

ヴィルヘルム・バックハウス

ヴィルヘルム・バックハウス（1884-1969）ドイツのピアニスト

「なにを練習したかではなく、いかに練習したかが重要である。練習材料にこだわるよりも、練習の正確さに意を用いるべきである」

難易度の高い練習をするのも確かに大切なことですが、自分から見てかんたんと思えるレベルのものでも、ただ弾き流すのではなく、丁寧に正確に練習することが技術力の向上につながっていくのかもしれません。

当然のことかもしれませんが、改めて気づかせてくれる一文だと思います。

ウラディミール・ホロヴィッツ

ウラディミール・ホロヴィッツ（1903-1989）ウクライナのピアニスト

「完全であること自体が、不完全なのだ」

音楽などの芸術には「完全」は存在しないように思います。

自分が完全だと思ったものでも、他人にとっては不完全であったり、その逆も同様であるからです。

また、完全完璧なものよりも、不完全さが美しく感じるものも多くありますよね。

この言葉にはいろいろな解釈がありますが、自分なりに意味を考えてみるのも良いかもしれません。

ミシェル・コルボ

ミシェル・コルボ（1934-2021）スイスの指揮者

「作曲家が曲を書こうと思った『最初の感動』に近づきたい」

同じ曲でも指揮者によって違う曲のように聴こえる。

オーケストラ曲ではよくあることです。

指揮者は、作曲家の思いを紐解き独自の解釈で音楽を再現しています。

クラシック音楽の作曲家たちが残した譜面や言葉から、その曲に込めた思いをさらに私たち聴衆に届けてくれようとしていることがよくわかる言葉だと思います。

クラシック音楽家の残した力強い名言集まとめ

いかがでしたか？

今回は、作曲家や演奏家といった音楽家たちの言葉を厳選して紹介しました。

天才と呼ばれる偉人たちでも、多くの努力と経験から曲を生み出したり演奏していたことが良くわかるのではないかと思います。

何かにつまずいたりした時、ぜひ彼らの言葉を思い出し、一歩を踏み出すきっかけにしてみてくださいね！

今回は、「朝」にまつわるクラシック音楽をご紹介します。

明るい一日を始めるのにぴったりな爽やかな曲から個性的な曲まで、朝を連想させる３曲について解説していきますね。

それでは見ていきましょう。

明るい1日を始めるのにぴったりな、朝のクラシック曲を紹介します。

朝のクラシックと言えばこれ！

・グリーグ作曲　「ペール・ギュント」より「朝」

イプセンの戯曲「ぺール・ギュント」のために、グリーグが作曲した1つがこの「朝」です。

フルートとオーボエのソロが奏でる美しいメロディが絶え間なく流れ、やがて音楽が盛り上がっていきます。

そして弦楽器たちが一斉に弾き始める時が、まさに太陽が顔を出して辺りを優しく照らし出す瞬間のようです。

曲の終盤には小鳥のさえずりのようなメロディも聴こえてきます。

とても爽やかで幸福感に満ちた、朝にぴったりの曲です。

グリーグ作曲の「朝」はフルートとオーボエのソロが美しく、朝に聴くのにおすすめ

・リスト作曲　「小鳥に説教する聖アッシジのフランチェスコ」

こちらは、朝に聴きたくなるような爽やかなピアノ曲です。

聖人フランチェスコが小鳥に対して、キリストの教えを説く様子を表現しています。

説教する、と言っても叱っているのではなく、キリスト教の内容を口頭で話している、という意味です。

にぎやかな小鳥のさえずりから曲が始まります。

低音のメロディがフランチェスコの言葉を表していて、次第に小鳥たちは静かにフランチェスコの言葉に耳を傾け始めます。

終盤に大きな盛り上がりをみせた後、シンプルで静かなメロディが続き、曲は締めくくられます。

フランチェスコの心の思いを表現した、とても美しい音楽です。

イタリアのアッシジで、裕福な家に生まれたフランチェスコは、奔放な生活を送っていました。

しかし、悔い改め、父親との縁を切り、質素な生活をしながら有名なキリスト教の修道士となりました。

フランチェスコは生き物に説教することで有名で、小鳥に説教するシーンは絵にもなっています。

リスト作曲「小鳥に説教するアッシジの聖フランチェスコ」は、小鳥のさえずりで始まる美しいピアノ曲

・ラヴェル作曲　「鏡」より「道化師の朝の歌」

ピアノ組曲「鏡」の中の第4曲目です。

ラヴェルは、スペインに近いフランスのバスク地方に生まれました。

パリに移った後も、スペインの香りが漂うバスク地方を訪れていたラヴェルは、スペイン風のこの曲を作曲します。

道化師とは、いわばピエロや、おどけた役を演じる人のことです。

この曲では、道化師が朝帰りをする様子を、歌や踊りと共に表現されています。

途中の静かな部分は、道化師が女性を誘い出そうとする場面であり、道化師の寂しさや苛立ちなどが次々に音で表現されていきます。

ギターをつま弾くようなリズム、カスタネットの響き、鍵盤を駆け上がったり駆け下りたり、フラメンコのように情熱的な曲です。オーケストラ版にも編曲され、とても人気のある曲です。

ラヴェル作曲「道化師の朝の歌」は情熱的なピアノ曲で、オーケストラ版にも編曲された人気の曲

朝のクラシック音楽～まとめ～

今回は、朝に関連するクラシック音楽をご紹介しました。

親しみやすい爽やかな曲から個性的な曲までご紹介しましたが、いかがでしたでしょうか。時間のある朝は、ぜひクラシック音楽を楽しんでみてくださいね。